(Buenos Aires, junio/julio/agosto 2011)
Extractos de algunas de las críticas recibidas por Macbeth, versión de Laura Silva sobre el homónimo de William Shakespeare, actualmente en cartel en el teatro El Cubo de Buenos Aires, jueves a las 22.15 horas.
"La directora Laura Silva diseñó un montaje lejos de lo formal, en rojo y negro
En la cartelera porteña siempre están presentes Shakespeare y sus clásicos que se conservan como tales con el correr de los siglos. Tenemos las puestas que siguen fielmente a la pieza original, de manera más ortodoxa, y tenemos las que reversionan al clásico y hacen una relectura de éste trayéndolo al presente para actualizarlo; no es tarea sencilla, está claro, pero cuando la originalidad se hace presente es renovador y se agradece. Este es el caso de la nueva propuesta de Laura Silva y su Macbeth presentado en El Cubo todos los jueves. Una idea completamente nueva y moderna que llama la atención.
El camino que emprende como dramaturga y actriz principal de la obra es largo y dificultoso. Hace un trabajo profundo de investigación sobre la historia de Macbeth, y pone en esta puesta su mirada atenta y conocedora de la materia. Con voces en off que narran las peripecias de los personajes, un vestuario futurista rojo y negro, inspirado en la película Matrix , una iluminación con una luz tenue hasta el máximo y la incorporación de tecnología como la proyección de imágenes, casi como hologramas en escena, para subir al escenario de manera novedosa al espectro de Banquo, nos arroja una versión completamente diferente, pero que mantiene la esencia misma: los sentimientos desgarrados del ser humano, su ambición y envidia que, sin nada que los medie, logran enloquecer a todos los personajes llevándolos a cometer los crímenes y atrocidades más horribles.
Modernidad
Si bien es cierto que la historia es conocida por gran parte del público, a veces se corre el riesgo de dar por sentado algunos aspectos de la trama y entonces, por momentos, falta claridad. La escasa luz, el velo que colocado en todo el escenario divide actores y espectadores y la gama de colores elegida para el vestuario de todos los personajes en negro y rojo impiden divisar a los diferentes actores en escena y tornan por momentos confusa la historia. Así, en ese intento de modernizar, tal vez, se pierda justamente su carácter de clásico y deje afuera a parte de la platea que no tiene tan presente la pieza. De todos modos, es una buena oportunidad para acercarse a Macbeth desde otro ángulo, muy renovador por cierto, y que cuenta con buenas actuaciones"
Jazmin Carbonell - La Nación
"Como si “los principios culturales nunca hubiesen atravesado” a los Macbeth, al asesinar su propia piedad, nace el horror. Ya desde el paratexto se nos ofrece esta data, y se corrobora a lo largo de la función.
El tratamiento que se le da (a mi modo de ver) a la más importante obra de la historia del Teatro, escrita por el magistral W. Shakespeare, es efectivo. Como si por reducción, se concentraran mejor las propiedades más elementales en una comida, aquí, la adaptación que realiza Laura Silva es justa, concentra en fragmentos poderosos, las peripecias más significativas de devenir del General Macbeth, en rey de Escocia, gracias al sombrío accionar del Caos.
Duncan aquí parecería intuir su destino de un modo más presente, y es que las fuerzas del Caos, que jamás pudo limitar ni siquiera el máximo de los dioses olímpicos, juguetean con amplías destrezas corporales, son las Brujas del vaivén, señoras del destino que como en la pieza original, se disponen a encaminar a Macbeth y su mujer, por la senda angosta de la destrucción ajena, implantando el deseo más intenso de poder, provocando la ambición del reinado prometido en principio para el protagonista.
Con cierta acrobacia en telas, y una hamaca de circo, se reactualizan entre mayas negras y notorias atmósferas de rituales, a estas tres hermanas que, como pudiera expresar algún borgeano, no son sino las Parcas, antiguas Moiras griegas. El modo en que discurre la trama, recuerda al formato del video-clip, de hecho, las escenas suceden entre apagones, como diapositivas. Una tela transparente cuelga hasta el proscenio, a modo de telón: allí se depositan imágenes, divinidades que anuncian a Macbeth su futuro, con la trampa típica de todo buen oráculo, porque las voces de dichas imágenes, hablan desde la ambigüedad más sugestiva, que caracteriza al propio Caos. No sólo como un divertimento celestial, lo que esta obra denuncia, es que al no resistir la codicia, el hombre entrará en una maquinaria imparable de desdichas, ya que lo que hoy le es prometido como buenaventura a uno por la vía de la desmesura más sanguinaria, mañana, le será prometido a otro, y entonces, el asesino se transformará en víctima de otra ambición de poder, dispuesta a todo, igual que él. Y así, imparablemente.
Cabe destacar el uso de los rojos como avance en el vestuario, y los accesorios, la sangre irá tiñendo este espacio anacrónico, que pudiera ser todos los tiempos a la vez. Un mundo revestido en principio por lo gótico y el fetichismo. Un fetiche que en la daga, encuentra la máxima, de las concentraciones del poder que fue antes simple ambición, implantada, desde las sombras más oscuras."
Matías J. Timpani - Critic Under
"Macbeth tiene un lenguaje propio, y entre todos los lenguajes escénicos, la teatralidad encuentra su mejor espacio, entonces, que surja con música, y muy buenos trabajos corporales, estéticos, en imágenes es una variante más creativa que encontró Laura Silva para subir otro Shakespeare en el teatro El Cubo. Con un elenco homogéneo y pleno de talento, la pieza teatral se abraza a las palabras, las vuelve integras y así, solo así las devuelve al público, para que por momentos logre conmover. Todos los estados más humanos pasan por esta propuesta, porque pasa de la calidez a la crudeza sin tiempos, mas que apagones que en esta puesta sobran pero no molestan. Hay pocos silencios, las palabras interesan más que las acciones ya que el decir de los artistas es tan genial que en muchos momentos el Shakesperare de Silva, se vuelve encantador. ¡Para ver!"
Meche Martínez - Blog de Arte y Cultura
"...Si el texto original indaga acerca de una de las características humanas más oscuras, como es la ambición desmedida de poder, esta modernosa puesta en escena, a cargo de Laura Silva, tiene todos los elementos necesarios para transmitir al espectador toda esa vorágine y degradación q representa al escocés Macbeth...
En este remix, a diferencia del clásico, la historia acontece en un tiempo donde los soldados del rey marchan a la batalla con borceguíes y con pistolas; y los impulsos asesinos del déspota y su esposa, papeles interpretados por Gustavo Pardi y la mismísima Laura Silva, son guiados por tres jóvenes brujas, bellas y eternamente eróticas.
Escenario casi desnudo, desprovisto de decorado alguno, y con una iluminación tan sombría como el alma de los protagonistas, la directora hace uso de proyecciones audiovisuales y hasta echa mano de otros clásicos, como los renacentistas Miguel Angel y Da Vinci, para contar esta historia con una estética ecléctica e indefinida.
Este "Macbeth" es tan original como enigmático, y como suele suceder con Shakespeare, deja al público con muchas preguntas a responder."
Leandro Ibáñez - Revista Llegás
"Si hay un autor al que se ha versionado incansablemente ese es, sin dudas, William Shakespeare, en este caso asistimos a una muy original puesta de Macbeth..."
"Esta versión a cargo de Laura Silva es muy original, cuenta con una escenografía minimalista, donde con pocos elementos va dibujando los diferentes lugares en los que se desarrolla la acción, logra graficar sin sobrecargar la escena; con solo sillas y juegos de luces sumamente apropiados, logra crear espacios y climas. Si de escenografía se trata, podemos ver un velo negro transparente en el proscenio, donde serán proyectadas diferentes imágenes a lo largo de la historia, mejor dicho en un momento muy particular, donde se le presentan a Macbeth unos “espectros” que allí serán reflejados. Este velo también aportara un tinte cinematográfico en el cierre de la obra"
"El diseño de luces hace un gran aporte a la creación de climas, denota pesadez y un ambiente denso. Esto también se complementa con el vestuario ya que evidentemente, tanto este como la escenografía y la iluminación fueron creados para dar un efecto de sentido conjunto. El vestuario, si bien es moderno, tiene toques que remiten a la época, los colores cuidadosamente elegidos, priman el rojo y el negro como metáfora de la pasión, la sangre, la maldad, la muerte y la oscuridad que circulan en la obra. Podría decirse que quizá lo más llamativo es un vestido rojo de Lady Macbeth (Laura Silva) por todo el subtexto que contiene"
"En lo que respecta al sonido, permanentemente hay sonido de fondo, música, voces grabadas y sonidos que representan lo que vamos viendo, la banda sonora ocupa casi la totalidad del espectáculo"
"...hay algunos elementos a resaltar, tales como telas y aros, los mismos serán utilizados por las brujas, quienes además de desarrollar su trabajo de piso, también hacen acrobacias, este detalle, hace que realmente por momentos veamos “volar” a estos seres"
"En lo que respecta a las interpretaciones están todos muy bien plantados, cada uno de ellos logra transmitir lo que su personaje requiere, pero he de resaltar las tareas de Hernán Vázquez (Banquo/Malcom), Martín Dodera (Macduff) y principalmente a Gustavo Pardi (Macbeth) quien nuevamente nos sorprende con una composición de lo más atinada, le impone cuerpo y alma a su personaje, poniéndose la obra al hombro, un trabajo notable"
"La obra en general, muestra el texto original como fragmentado, dando por momentos la idea de un videoclip ya que el montaje esta hecho en base a cortes muy marcados entre las escenas, pero lo interesante es que a pesar de la fragmentación, no se pierde la esencia ni el contenido de este clásico. Una clásico shakesperiano, una puesta sumamente actual y original, una visión nueva, solventada por muy buenas interpretaciones"
Cecilia Alejandra Accorinti - Show on line
"En una singular e innovadora versión de Laura Silva, reaparece una de las obras más cruentas del genial William Shakespeare, Macbeth está nutrida de buenas actuaciones y de una impecable y estética puesta en escena.
...Laura fue construyendo su Macbeth con fina estampa, para estrenar sí en 2011 su versión con delicadas pinceladas, que van desde lo más sanguíneo y cruel de la obra original hasta ese toque femenino que le imprime como directora a esta artística versión de Macbeth.
...Laura Silva rescató su parte humana, y yendo más allá aún, fue hacia el alma de los personajes haciéndolos desde sus propias entrañas hasta materializarse en carne sobre el escenario.
Si bien el elenco cumple con rigor una correctísima performance general acorde al dramatismo de la obra, sobresalen del mismo Gustavo Pardi componiendo magníficamente a su Macbeth y la mismísima Laura Silva como Lady Macbeth, haciéndose ambos dueños de un histrionismo que por momentos calienta las escenas fuertes de la obra con su propio fuego actoral.
Estéticamente esta puesta es bellísima sobresaliendo el original entramado que conforma un telón semitransparente que conlleva luces y sombras, pero que también asemeja una bruma, esa bruma dramática que rodea la propia atmósfera que Laura quiere imprimir a su obra, manejándose con vivísimos rojos, un color muy emblemático y la hondura de los negros del interesante vestuario que se ve exaltado por una perfecta iluminación.
Recomendable versión para ver, escuchar y dejarse llevar por la imaginación adentrándose en ese Universo tan peculiar de una época tan cruel como la actual".
Charly Borja - Descongelando Mentes (28 de junio de 2011)
La cicatriz que permenece por siempre
(Roma - Bilbao, mayo/junio 2010)
Extractos de algunas de las críticas recibidas durante la representación de "La cicatriz que permanece por siempre" de Laura Silva -basada en el poema "La violación de Lucrecia" de William Shakespeare, durante el mes de mayo de 2010 en el Piccolo Teatro Campo d'Arte de Roma, Italia.
"Un trabajo bien hecho el de la compañía argentina, que utiliza también los otros sentidos cuando la sola palabra no alcanza para contar, y que logra golpear y fascinar al espectador con cuarenta minutos de fuerte intensidad"
Anna Schiano - Il gufetto (28 de mayo 2010)
"En escena está la misma autora para interpretar, con un pathos y transporte únicos, a la protagonista de la tragedia, Lucrecia. La mujer es atrozmente desflorada en su virtud por un despiadado y abominable Tarquino que en esta ocasión es llevado a escena por un joven pero excelente Matías Ferrer, que con una gestualidad fuera de lo común, logra comunicar toda la rabia y la poderosa perversión con la cual su taimado personaje se aviene sobre su presa. Maravillosa es la actriz argentina en aferrarse a su extraordinaria mímica facial, con la cual logra transmitir el inmenso drama que la violencia carnal puede provocar a una mujer.
Un espectáculo que puede enseñar mucho y puede aguzar la percepción de un dolor extraño a los varones"
Luca Nigro - Il Merlo Parlante (22 de mayo 2010)
"Al servicio de una dramaturgia de tonos intensos y acento latino, que deja traspasar la gran capacidad interpretativa de los dos actores que representan en italiano a pesar de ser argentinos, están los movimientos coreográficos a cargo de Gisela Delgado"
Agoranews (23 de mayo 2010)
"Es con la misma violencia de un despertar brusco que las luces excavan en los giros de los protagonistas de "La cicatriz que permanece por siempre" ... El espectáculo escrito por Laura Silva y dirigido por Emilce Puyada, se inspira en "La violación de Lucrecia" de William Shakespeare y repropone el tema de la violencia sobre las mujeres en modo firmemente doloroso e intenso"
Illaria Della Croce - Oltre Cultura (23 de mayo 2010)
"Para sostener una dramaturgia tan intensa, está la estética del teatro de imagen, donde la palabra pierde la prioridad absoluta para transformarse en un elemento entre los elementos, donde la imagen habla por sí misma en una secuencia que va de acuerdo con la música, luces, diseños y dan al espectador una idea completa del significado de la obra. Frente al gran espejo y al agua que delimita la escena, en la cual se condensa toda la carga metafórica de Shakespeare, cada espectador arregla las cuentas con una violencia manifiesta, desvelada, puesta al desnudo, pero que permanece siempre inexpresable"
"El Shakespeare argentino" por Stefano Cangiano - Urlo web (21 de mayo 2010)
Sangre, Macabra Parodia Trágica de Una Muerte Erótica
(Buenos Aires, abril/mayo/junio 2009)
Extractos de algunas de las críticas recibidas durante la representación de "Sangre, Macabra Parodia Trágica de Una Muerte Erótica" dirigida por Laura Silva -basada en "Otelo" de William Shakespeare, durante los meses de abril, mayo y junio de 2009 en el Teatro La Carbonera Buenos Aires, Argentina.
"Una versión muy carnal y actualizada en lo visual, de la obra de William Shakespeare "Otelo" (aquél que inmortalizara al enfermo de celos), sobriamente dirigida por Laura Silva.
Visualmente la obra subyuga, atrae al espectador hacia esos laberintos de locura que van construyendo minuto a minuto Yago y Otelo, dos criaturas que en sus equívocas vidas no sólo sufren en carne propia sus desaciertos de comportamiento sino que hacen sentir en todo su entorno su enfermedad manifiesta.
Recomendable puesta en escena de un clásico universal abducido a la métrica moderna del teatro de imágenes en donde las luces y las sombras conforman una especie de edición cinematrográfica dentro del ámbito teatral."
Charly Borja - Descongelandomentes
"Si bien, el texto espectacular argentino se vale en todo momento de aquél, su hipotexto, sin producir demasiadas novedades a nivel dramático, lo interesante es la forma en que se ha puesto en escena. Porque vemos cómo constantemente se apela a la mostración excesiva de los movimientos escénicos, casi coreográficos de los actores, como así también es de destacar la articulación precisa y geométrica que se realiza del espacio escenográfico. Así, y mediante una división entre un arriba y un abajo del espacio dramático en donde en el nivel superior asistimos a los tormentos y los diálogos enfermizos de un Yago que ha quedado preso en una entidad psiquiátrica; en el nivel inferior, en el escenario, se alternan la prehistoria de los personajes principales de Shakespeare, brindando al público el universo narrativo acabado y reconocible de esa tragedia. Asimismo, la seducción en los movimientos y en la palabra de Desdémona cautiva a un público avisado de su desenlace ya que, aquello que se propone desde el texto dramático es un “retoceso textual” para dar cuenta de la historia de los amantes y así volver a narrar su sino trágico. Además, es de señalar el trabajo constante que se realiza con la intensidad de los colores en escena, sobre todo el rojo (claro está), no sólo a través del vestuario sino también por el uso lumínico que intensifica las acciones, delimita los espacios y permite destacar el carácter opresivo en el cual se sumergen los actantes."
Lía Noguera - Ruleta China
"Lo más llamativo de la puesta en escena es la estética maravillosa generada a través de la luz, el vestuario y los coreográficos movimientos que parecen imposibles para semejante elenco en tan pequeño espacio. El plano superior que permite ver sufrientes cuerpos desnudos entregados a los placeres de la carne, es -por momentos- una pintura renacentista que, combinada con las luces y sombras de la escena y de la historia, construye otra historia interior e individual para cada espectador. La libérrima versión del clásico shakespeariano no deja de ser interesante."
"Un Otelo hospitalario" por Martín Wullich
Ricardo III, el lado oscuro del clown
(Buenos Aires, abril, mayo, junio 2006)
Extractos de algunas de las críticas recibidas durante la representación de "Ricardo III, el lado oscuro del clown" dirigida por Laura Silva -basada en "Ricardo III" de William Shakespeare, durante los meses de abril, mayo y junio de 2006 en el Teatro del Sur, Buenos Aires, Argentina.
"La puesta de Silva cuenta con importantes puntos de apoyo: Una sólida performance actoral general, donde es difícil resaltar a unos sobre otros, brillando por momentos su protagónico, o ya avanzada la trama, su tétrico lado oscuro, o estallando la carcajada repentista ante cualquier gag inesperado de algún otro miembro del disparatado staff; Una muy cuidada puesta estética, carente de recursos escenográficos, pero perfectamente cubiertos con una iluminación y sonidos talentosamente ensamblados, y finalmente una buena síntesis argumental, que pone en tema al espectador primerizo, alivianándole en alguna medida los pasajes más densos del texto original."
Néstor di Giobbi - Casting Porteña
